The Arcade Fire se suman al FIB 2011

La banda canadiense se suma a los ya anunciados The Strokes, Arctic Monkeys, Portishead y Primal Scream

The Arcade Fire, actualmente embarcados en la gira de presentación de su tercer álbum "The Suburbs" (2010), han confirmado su incorporación al cartel del FIB 2011, que se celebrará en el recinto de conciertos del Festival, en Benicàssim, los días 14, 15, 16 y 17 de julio.

Recientemente han presentando el videoclip de 'The Suburbs', dirigido por el gran Spike Jonze y que sirve como carta de presentación de su nuevo trabajo. Tras "Funeral" (2004) y "Neon Bibles", The Arcade Fire han alcanzado los primeros puestos de la lista española de venta de discos con su último álbum "The Suburbs", titulado como su nuevo single.

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El cantante y compositor de Travis debuta en solitario

Fran Healy se lanza en solitario con nuevo disco y una inminente gira que pasará por dos ciudades españolas

"Ser miembro de Travis es lo que he hecho siempre, desde que era un crío. Necesitaba un descanso, tomarme un respiro artístico", comenta Fran Healy. Y el tiempo ha demostrado que ha valido la pena. Su trabajo, "Wreckorder", contiene el nuevo camino creativo que ha tomado el cantante y compositor de la banda escocesa Travis.

Además, en 2011 habrá dos oportunidades únicas para comprobar que Fran Healy sigue siendo una de las mejores voces masculinas del pop británico. Las fechas elegidas son el 17 de febrero en la sala Ramdall de Madrid y el 18 de febrero en la sala BeCool de Barcelona.

Se trata de su primera gira en solitario y para la ocasión ha escogido espacios con aforos reducidos, para estar muy cerca de sus fans.


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Idealipsticks estrenan su clip más sexual

Se trata del vídeo de 'Losers And Lovers', primer single extraído de su álbum "Sins & Songs"

Jave y Eva Ryjlen han abierto las puertas de su más lúbrica intimidad a las geniales cámaras de Catws, que han filmado un cuerpo a cuerpo muy acorde con el título del disco: "Sins & Songs" (en castellano, 'Pecados y canciones').

El clip de alto voltaje de 'Losers And Lovers' recrea el ambiente de los clubes donde Idealipsticks descargan su electricidad y sus emociones.




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el evento..

Como en los últimos eventos realizados fuera de la capital, los asistentes se equiparon con chaquetas, gorros, bufandas y botas pantaneras para disfrutar, por primera vez en Colombia, del que ha sido catalogado como uno de los mejores espectáculos del mundo del rock.

Primero salió a escena la agrupación metalera bogotana Brand New Blood, que fue bien recibida por los asistentes. el tiempo

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lo que paso en el concierto de rammstein

Al igual que en otros países por donde pasó la agrupación alemana, los asistentes protestaron por la falta de pantallas que mostraran a quienes estaban lejos, el detalle de lo que pasaba en el escenario. Ante la imposibilidad de ver a la banda, cerca de 50 personas lograron pasarse a otra de las localidades luego de reñir con la Policía.

Aún así, con dos horas de música, llamas en el escenario, fuegos artificiales y un bote inflable que navegó entre el público, la agrupación alemana calentó a las 12 mil personas que fueron al concierto, realizado en las afueras de Bogotá, que por estos días se ha visto afectada por el invierno y las bajas temperaturas. e tiempo

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Así fue el concierto de Rammstein

El evento transcurrió en total normalidad y solamente hubo unos minutos de tensión justo antes de que saliera Rammstein al escenario, cuando los asistentes de la localidad Flame, situados en la parte de atrás, pidieron al unísono a la organización retirar los plásticos que cubrían la cabina de sonido, ubicada al frente de la tarima, y correr los baños portátiles que obstruían la visibilidad de quienes compraron la boleta más barata. el tiempo

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la esencia de Vinicius

Ella interpreta en la esencia de Vinicius un impacto que iba mucho más allá de los retratos del amor: "Él era como Gandhi... tenía una cosa política en su discurso de hablar del amor, era el amor de un ser humano por el otro, no entre hombre y mujer (...) eran mensajes muy importantes para los días de hoy, para Brasil y para el mundo", dice.

En su carrera, Mariana ha grabado dos discos, destacándose especialmente A alegría contínua, que hizo junto a Zé Renato y Elton Medeiros. el tiempo

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grabaciones de blackwelll

Blackwell también grabó en solitario para la discográfica Vocalion, incluyendo el tema "Kokomo Blues"; este tema fue transformado por Kokomo Arnold en la canción "Old Kokomo Blues" antes de que Robert Johnson lo volviera a transformar en el tema "Sweet Home Chicago". Blackwell y Carr actuaron juntos a través de todo el Midwest estadounidense (área geográfica de Estados Unidos comprendida por los estados situados en la parte norte y central de dicho país) de 1928 a 1935, grabando más de 100 discos. Este periodo concluyó al fallecer Carr debido a una inflamación severa de los riñones (producida, probablemente, por su afición a las bebidas alcohólicas); Blackwell realizó una grabación, a modo de tributo, a su compañero musical siete años antes de dejar la industria musical.
Blackwell fue descubierto de nuevo en Indianapolis a finales de la década de los años 1950 aceptando el volver a la música en un periodo en el que el blues y la música folclórica volvían a estar de actualidad. Grabó un disco para la compañía discográfica Prestige Records en 1962, pero cuando todo indicaba que volvía a retomar su carrera como músico, fue asesinado en el transcurso de un asalto en un callejón de Indianapolis; el crimen nunca se resolvió. Blackwell fue enterrado en el cementerio New Crown Cemetery en Indianapolis. wikipedia

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Biografía de Scrapper Blackwell

Blackwell, cuyo nombre real era Francis Hillman Blackwell, nació en Syracuse, Carolina del Norte, siendo uno de los 16 hijos que tuvieron Payton y Elizabeth Blackwell. Con ascendencia Cherokee, creció y pasó gran parte de su vida en Indianápolis, Indiana. Su padre tocaba el fiddle, pero Blackwell era un guitarrista auto-didacta construyendo su primera guitarra a base de cajetillas de tabaco, madera y cables. También tocaba el piano, haciéndolo de forma profesional ocasionalmente. En su adolescencia, Blackwell era un músico ocasional viajando ocasionalmente a Chicago.
A pesar de ser conocido por las dificultades para trabajar junto a él, estableció una amistad con el pianista Leroy Carr, el cual conoció en Indianapolis a mediados de la década de 1920, iniciándose una relación de trabajo productiva. Carr convenció a Blackwell para que grabara junto a él en la discográfica Vocalion Records en 1928; el resultado de aquella grabación fue el tema "How Long, How Long Blues", el mayor éxito de blues de aquel año. wikipedia

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Scrapper Blackwell

Scrapper Blackwell (21 de febrero de 1903 – 7 de octubre de 1962) fue un cantante y guitarrista estadounidense de blues. Más conocido por ser uno de los integrantes del dúo de guitarra y piano que formó junto a Leroy Carr en los últimos años de la década de 1920 y en los primeros años de la década de 1930. Blackwell es definido como un guitarrista acústico excepcional del Chicago blues, a pesar de que algunos críticos musicales indican que viró musicalmente hacia el jazz. wikipedia

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Biografia de Pio Barrios

Nació en la ciudad de San Juan Bautista Misiones, en Paraguay fue miembro de una numerosa familia con gran interés en la música, prueba de ello es que sus siete hermanos tocaban un instrumento cada uno y formaban la Orquesta Barrios. Su padre fue el argentino Doroteo Barrios, cónsul de su país en Misiones, y su madre Martina Ferreira, profesora (directora) de la escuela de niñas de Villa Florida.
Hasta los 13 años Agustín integró la Orquesta Barrios y un día de 1898 luego de un concierto se acercó Gustavo Sosa Escalada y lo acogió como pupilo y fue introducido formalmente al repertorio de la guitarra clásica. Bajo la influencia de su nuevo guía, Barrios pasó a estudiar las obras más conocidas de los compositores más importantes de guitarra clásica hasta ese momento, como: Francisco Tárrega, José Viñas, Fernando Sor, Dionisio Aguado, Julián Arcas y Joaquín Parga. Sosa Escalada estaba tan impresionado con su nuevo alumno que convenció a los padres del joven Agustín para que lo dejasen mudarse a Asunción para continuar su educación musical y académica en el Colegio Nacional de la Capital, donde tuvo como Instructor a Nicolino Pellegrini, donde además de música, estudió matemáticas, periodismo y literatura. wikipedia

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Agustín Pío Barrios

Agustín Pío Barrios, también conocido como "Nitsuga Mangoré" (nacido el 5 de mayo de 1885 en San Juan Bautista Misiones, en Paraguay - fallecido el 7 de agosto de 1944 en San Salvador, El Salvador), es un guitarrista clásico y compositor paraguayo de origen Guaraní. wikipedia

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la vida de Carlevaro

En París, en 1984, presenta el diseño de su nueva guitarra sin boca que pretendía sentar las bases de una construcción más lógica del instrumento, de acuerdo con su concepción orquestal del mismo, privilegiando la capacidad de la guitarra de brindar matices y colores tímbricos con mayor riqueza y simultaneidad.
Las últimas décadas de la vida de Carlevaro estuvieron signadas por sus frecuentes giras a países de Europa y América. Por haber sido una de las figuras más influyentes en el mundo de la guitarra de la segunda mitad del siglo XX, recibió invitaciones periódicas, tanto en su calidad de intérprete como de docente, para realizar conciertos, ofrecer conferencias e integrar tribunales internacionales. En medio de esa actividad febril, falleció en Alemania a los 84 años de edad.
Entre sus alumnos cabe destacar a Álvaro Pierri, Alfredo Escande (quien, además de discípulo, fue su colaborador directo en la redacción de todos los escritos pedagógicos de Carlevaro desde 1976 hasta el fallecimiento del Maestro, y luego escribió su biografía), Baltazar Benítez, Jad Azkoul, Miguel Angel Girollet, Roberto Aussel, Patrick Zeoli, Janez Gregoric, Léon Frijns, Magdalena Gimeno, José Fernández Bardesio, César Amaro, Eduardo Fernandez y Juan Carlos Amestoy. Entre los guitarristas españoles, estudiaron con él en Montevideo Juan Luis Torres Román, Pompeyo Pérez Díaz y Manuel Gómez Ortigosa. Diversos intérpretes han grabado sus obras, entre los que cabe mencionar a Baltazar Benítez, Jad Azkoul, Janez Gregoric, Michel Sadanowsky y otros. wikipedia

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biografia de Carlevaro

Hijo del médico Juan Carlos Carlevaro quien era aficionado a la guitarra y de Blanca Casal Ricordi, a los cinco años inició sus estudios de guitarra clásica con el profesor Pedro Vittone. Años mas tarde este último también comenzó la instrucción de su hermano Agustín Carlevaro, el cual sería considerado en Uruguay como el mejor solista de guitarra en tango.
Posteriormente estudia y entabla relación con el célebre guitarrista Andrés Segovia, que en ese entonces residía en Montevideo, con el que trabaja durante nueve años. Estudia armonía y contrapunto con José Tomás Mujica por ocho años, y paralelamente orquestación con Pablo Komlos durante cuatro años.
En 1942 Carlevaro es presentado públicamente por Segovia en la principal sala de conciertos de Montevideo, con resonante éxito. Al año siguiente es invitado por Heitor Villa-Lobos, a viajar a Brasil. Durante varios meses Carlevaro estuvo en Rio de Janeiro estudiando con el compositor brasileño sus obras para guitarra, en particular varios de sus Doce Estudios. Estrenó en Rio, en presencia de Villa-Lobos, sus Preludios 3 y 4 para guitarra. En 1948, con el respaldo del gobierno uruguayo, realizó su primer viaje a Europa, ofreciendo numerosos conciertos en España, donde además filmó una película documental. También se presentó en Paris y en Londres, donde grabó su primer disco. Luego de una larga estancia en París, donde trabó amistad con el compositor Maurice Ohana y participó en la creación de su primera obra para guitarra y orquesta, retornó a Uruguay en 1951. Recién volvió a Europa en 1974 y ofreció su primer concierto de esta segunda etapa en París, en la Sala Pleyel. En 1975 difunde en Europa, invitado por Radio Francia, los fundamentos de su Nueva Escuela de Guitarra. A partir de entonces, viajó a Europa hasta dos y tres veces por año, brindando conciertos y masterclasses, así como dirigiendo seminarios internacionales. También hizo lo propio en toda América, del Sur y del Norte, y se presentó varias veces en Taiwan y en Corea. wikipedia

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El swing

El swing se caracterizó por su carácter melódico que permitió que fuera una música perfecta para el baile por lo que su penetración mundial fue acelerada. Las composiciones seguían un formato escrito y no se daba gran libertad a la improvisación aunque esta no fuera la regla. En principio las grandes bandas eran raciales pero finalmente se fueron integrando músicos blancos y negros. Los más famosos directores de estas grandes bandas fueron Fletcher Henderson, Count Basie, Duke Ellington, Benny Goodman, entre otros.
El bebop (1940-1950), la revolución musical base de todo el jazz moderno, coincidió con la huelga de grabaciones que desde el 1 de agosto de 1942 hasta noviembre de 1944 llevaron a cabo todos los músicos organizados en torno a la Federación Estadounidense de Músicos (AFM). El efecto más perverso de esa huelga fue retrasar oficialmente el nacimiento de aquella nueva música que se estaba gestando en el norte del barrio de Harlem y en torno a un club ya histórico y desaparecido: El Minton's Playhouse de Harlem, en Nueva York. Charlie Parker, Dizzy Gillespie y Thelonious Monk fueron los grandes gestores de este género musical. wikipedia

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Desarrollo del jazz

Posteriormente, inaugurando la época del swing, (1923-1939) llegó King Oliver, con su "Creole Jazz Band" y grabó entre otras composiciones "Dippermouth Blues". Los tres solos a corneta de esa pieza, además de ser el punto de inflexión entre la música callejera y el jazz, fueron imitados sin contemplaciones hasta mucho tiempo después por un gran número de músicos. Louis Armstrong - segunda trompeta de su banda y discípulo suyo- retomó en la orquesta de Fletcher Henderson el estilo, el virtuosismo y la flexibilidad rítmica de Joe Oliver, superándolo y marcando un camino imborrable en el tiempo. Otro gran iniciador del camino de la improvisación fue Sidney Bechet, virtuoso del clarinete y el saxofón soprano, precursor del "solo" en el jazz, que también en 1923 cautivó a los oyentes de la nueva música con sus grabaciones de "Wild Cat Blues", "Kansas City Man Blues", y en especial, el magistral "House Rent Blues".

Miles Davis en Niza (Francia), en 1989.

Durante finales de los años veinte y hasta mediados de la década del 40, fueron las grandes bandas quienes dominaron la escena musical. Hacia 1929, había en Estados Unidos unos 60.000 grupos de jazz y casi 200.000 músicos profesionales. wikipedia


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Los primeros músicos de jazz

Los primeros grupos musicales que tocaron música jazz se caracterizaban por poseer una sección rítmica cuya función no era melódica y que evolucionaría hasta componerse de piano, contrabajo y batería. En este sentido, la importancia del piano para el nuevo estilo fue fundamental:

Mientras que el pianista de ragtime operaba como una entidad autosuficiente que ejecutaba de modo simultáneo los elementos melódicos, armónicos y rítmicos de la pieza, el pianista inscrito en un grupo de jazz se especializaba en dos de estas tres funciones: el patrón armónico y el ritmo propulsivo.^[10]

Por otro lado, el percusionista añadió vivacidad y síncopa a estos primeros combos jazzísticos. El instrumento melódico fundamental era la trompeta o corneta, que servía para delinear melodías sincopadas muy al estilo ragtime.
En cuanto a los músicos individuales, los pioneros del jazz fueron King Oliver, Freddie Keppard, Louis Armstrong, Jelly Roll Morton, Sidney Bechet y Buddy Bolden.

El ritmo de los grupos de Nueva Orleans (...) se caracterizaba por operar en tres niveles: el pulso de negra, el grupo armónico de blanca y el grupo melódico u ornamental de corchea. (...) La polifonía improvisada de la primera línea consistía en ornamentación, obbligato e invención contramelódica. (...) El conjunto musical incluía elementos formales.

 

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mariache

Mariache o mariachi es una tradición musical del occidente mexicano. En un principio se refería al espacio festivo: músicos, música, baile. No hay lugar particular o preciso que permita ubicar dónde surgió tal tradición. La referencia más antigua aparece en una ranchería de Nayarit. Pedro Castillo Romero. 1973. "Santiago Ixcuintla, Cuna del Mariachi Mexicano", ofrece la primera pista para localizar dicha palabra (Mariache, Mariachi, Marriache) en el Archivo Parroquial de Santiago Ixcuintla. La Estadística General del Departamento de Jalisco de 1838 descarta la versión francesa de la palabra "mariage" asociada a Mariache o Mariachi. Véanse también. Jesús Jáuregui. Mariachi símbolo musical de México (dos ediciones) Álvaro Ochoa Serrano. Mitote, Fandango y Mariacheros (4a ed. 2008)

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historiador de la arquidiócesis de Guadalajara

Ricardo Espinosa afirmaba en su columna “Como dijo” -publicada en El Sol de México el 8 de abril del 2001- que el vocablo mariachi deriva de un canto aborigen a la Virgen María, en el que se mezclan el náhuatl, el español y el latín. “Este canto empezaba diciendo ‘Maria ce son’... que quería decir ‘te amo María’”. Según Espinosa, la teoría es resultado de las investigaciones del canónigo Luis Enrique Orozco, historiador de la arquidiócesis de Guadalajara, basadas en un documento encontrado en Cocula que data del año 1695. El historiador Hermes Rafael, de la Sociedad Mexicana de Geografía y Estadística es autor de varios artículos acerca del origen del mariachi y afirma que el origen de los sones de mariachi así como el vocablo provienen de los indígenas "cocas" de Cocula.^[1] Este investigador argumenta que los mariachis se dieron a conocer en la Ciudad de México antes que en Guadalajara, capital del estado de Jalisco. wikipedia

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Hipótesis sobre el origen de la palabra mariachi

Uno de los mitos sobre el origen de la palabra "mariachi" supone que en los tiempos de la Invasión Francesa (acaecida en 1862), durante una boda de rancheros en un poblado de Jalisco llegaron unos soldados franceses, quienes sorprendidos ante tal jolgorio, en el que los músicos tenían un papel muy importante, preguntaron sobre aquella fiesta. El interlocutor lógicamente contestó: “C’est un mariage” (en francés), y así fue como los franceses denominaron al conjunto musical. Para el investigador Jesús Jáuregui, la hipótesis galicista se comenzó a manejar desde las primeras presentaciones radiofónicas en la Ciudad de México, del mariachi de Concho Andrade, precursor de estas agrupaciones en la capital. Un dato curioso es que Manuel Esperón, uno de los más grandes compositores de música ranchera, sí es de ascendencia francesa. wikipedia

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La balada pop

La balada pop vino volando en caballo a ocupar el puesto de lo «romántico»^{[cita requerida]}, que antes tenía indiscutiblemente el bolero, lo mismo pasaría con la música bailable, la era de las guarachas y el cha-cha-chá fue sustituida por el rock and roll, la salsa brava y el merengue^{[cita requerida]}.
No podemos sin embargo afirmar que el bolero muriese. Muchos de su exponentes originales, como Alfredo Sadel o Daniel Santos, seguirían interpretándolo hasta el final de sus días.
Por otro lado, el tono romántico de las baladas posteriores siempre estuvo influenciado por el bolero. Tal como hacían compositores como Armando Manzanero, disfrazar de baladas sus composiciones^{[cita requerida]}. También interpretes como Marco Antonio Muñiz y José José confiesan que lo que interpretan son boleros pero arreglados musicalmente como baladas pop.

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auge de la era dorada

Otro factor que contribuyó al auge de la era dorada del bolero lo constituye el relativo aislamiento cultural de América Latina en los años cercanos y posteriores a la primera guerra mundial. Esto permitió al Bolero cultivarse y desarrollarse con calma sin claras competencias que lo amenazaran. A su vez, la existencia de regímenes militares de facto, influyó curiosamente en el éxito del bolero, pues a estos gobiernos les convenía ver a la población entretenida en sus gustos, para que olvidaran la política, por ello la era dorada del bolero está asociada en gran parte al periodo de las dictaduras de los años treinta, cuarenta y cincuenta. Así mismo la difusión de ídolos por medio del cine le dio una enorme difusión y vigencia. wikipedia

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ascenso del bolero

Primero sería la era de los tríos de guitarra, luego las grandes orquestas tropicales, las orquestas al estilo big band y por último, verdaderas orquestas sinfónicas que darían forma al acompañamiento musical del bolero que durante casi treinta años (1935–1965) dominó, como género, el espectro musical latinoamericano.
Otro hecho que contribuirá al ascenso del bolero es la inesperada muerte del rey del tango, Carlos Gardel, en 1935, que dejó a dicho género musical sureño sin un destacado intérprete. Por ello decayó el afán por el tango tras la muerte de su mejor voz, y ese vacío provocó un mayor auge del bolero, sobre todo en el cono sur del continente americano.
También fue fundamental el desarrollo de los recursos comunicativos de la época como la radio, las películas, los programas en vivo en televisión y las grabaciones en discos, primero los de 78 revoluciones por minuto, luego lo de 45 rpm y finalmente los de 33 rpm, llamados Long Plays o LP´s. Cuba y México se convirtieron en las verdaderas mecas para los centros artísticos, y muchos artistas de toda la región participaron y se destacaron como compositores e intérpretes. wikipedia

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El futuro del género sinfónico

El futuro del género sinfónico era dudoso. El musicólogo Mark Evan Bonds escribe: «incluso las sinfonías de compositores muy conocidos del siglo XIX como Étienne Nicolas Méhul, Gioachino Rossini, Luigi Cherubini, Ferdinand Hérold, Carl Czerny, Muzio Clementi, Carl Maria von Weber e Ignaz Moscheles se percibían en su época como bajo la sombra de las de Haydn, Mozart, Beethoven o alguna combinación de los tres».^[9] Mientras muchos compositores continuaron escribiendo sinfonías durante las décadas de 1820 y 1830, «había un sentimiento creciente de que dichas obras eran muy inferiores estéticamente a las de Beethoven. [...] La verdadera cuestión no era si se podían escribir aún sinfonías, sino si el género podía continuar prosperando y creciendo como lo había hecho durante el medio siglo anterior de manos de Haydn, Mozart y Beethoven. En este sentido, había grados variables de escepticismo y casi nadie era optimista».^[10] Hector Berlioz era el único compositor «capaz de competir satisfactoriamente con el legado de Beethoven».^[10] Sin embargo, Felix Mendelssohn, Robert Schumann y Niels Gade también obtuvieron éxito con sus sinfonías, deteniendo temporalmente el debate referente a la muerte del género.^[11] A pesar de todo, los compositores cambiaron gradualmente a la «forma más compacta» de la obertura de concierto «como un vehículo con el cual mezclar las ideas musicales, narrativas y pictóricas». Sirven como ejemplos las oberturas de Mendelssohn El sueño de una noche de verano (1826) y Las Hébridas (1830) wikipedia

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Antecedentes del poema sinfónico

Según el crítico musical e historiador Harold C. Schonberg, la llegada de la Revolución industrial trajo cambios en el modo de vida de las clases trabajadoras de comienzos del siglo XIX. Las clases sociales bajas y medias comenzaron a interesarse por las artes, que habían sido disfrutadas con anterioridad mayoritariamente por el clero y la aristocracia.^[5] En la década de 1830, había pocas salas de conciertos y las orquestas se utilizaban principalmente para la producción de óperas, mientras que se consideraba que las obras sinfónicas estaban muy por debajo en importancia.^[5] Sin embargo, la escena de la música europea sufrió una transformación en la década de 1840. Los conciertos públicos se convirtieron en una institución^[5] y el número de salas y locales donde se interpretaban se incrementó rápidamente.^[6] Los programas duraban a menudo tres horas, «incluso si el contenido era ligero: dos sinfonías o más, dos oberturas, números vocales e instrumentales, duetos, un concierto» y aproximadamente la mitad de la música representada era de naturaleza vocal.^[7] Las sinfonías de Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn o Ludwig van Beethoven normalmente abrían o concluían los conciertos y «mientras esas obras se reverenciaban como modelos de gran música, definitivamente eran menos populares que las arias y las escenas de las óperas y oratorios que dominaban la parte central de esos conciertos» wikipedia

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Poemas sinfónicos (Liszt)

Los Poemas sinfónicos son una serie de trece obras orquestales del compositor húngaro Franz Liszt y que están numerados como S.95–107 en el catálogo de Humphrey Searle.^[1] Los primeros doce fueron compuestos entre 1848 y 1858, aunque parte del material usado fue ideado con anterioridad; y el último, Von der Wiege bis zum Grabe («De la cuna a la tumba»), después de 1882. Estas obras ayudaron a establecer el género de la música programática orquestal (composiciones escritas para ilustrar proyectos extramusicales derivados de una obra teatral, un poema, una pintura u obras de la naturaleza). Sirvieron de inspiración para los poemas sinfónicos de Bedřich Smetana, Antonín Dvořák y Richard Strauss, entre otros.
La intención de Liszt para estas obras con un único movimiento, según el musicólogo Hugh MacDonald, fue «mostrar la lógica tradicional del pensamiento sinfónico».^[2] En otras palabras, el compositor quería que estas obras mostraran una complejidad en la interacción de sus temas similar a la que habitualmente está reservada para el movimiento de apertura en la sinfonía tradicional; esta sección principal era considerada normalmente como la más importante en el conjunto más amplio de la sinfonía, en términos de logros académicos y de arquitectura musical. Al mismo tiempo, quería incorporar la capacidad de la música programática para inspirar a los oyentes a imaginar escenas, imágenes o estados de ánimo. Para capturar estas cualidades dramáticas y evocadoras y a la vez alcanzar las proporciones del movimiento de apertura, combinó elementos propios de la obertura y de la sinfonía en un diseño modificado de la sonata. La composición de los poemas sinfónicos resultó desalentadora. Fueron sometidos a un proceso de experimentación continua que incluyó muchas etapas de composición, ensayo y revisión para llegar a un equilibrio en la forma musical wikipedia


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